HArtes (ISSN: 2954-470X) es una publicación semestral de acceso abierto editada por la Universidad Autónoma de Querétaro a través de la Facultad de Artes. La revista se centra en la difusión y la producción de conocimiento en el campo de las artes y las humanidades. Sus fascículos se publican de manera electrónica e incluyen artículos académicos, ensayos críticos, traducciones y/o reseñas en formato PDF, así como XML. Se aceptan Envíos de textos escritos en español o inglés, con la exigencia de que sean originales y que respeten las Políticas Editoriales.
Virtualidad, experiencia inmersiva e IA: nuevos espacios y narrativas para las prácticas artísticas
Presentación del dossier Virtualidad, experiencia inmersiva e IA: nuevos espacios y narrativas para las prácticas artísticas
Derechos de autor 2025 HArtes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Escritura automática: del espiritismo a la inteligencia artificial
La escritura automática, ese fenómeno en el que las palabras fluyen sin la mediación consciente del autor, ha fascinado a escritores, artistas y científicos desde sus orígenes. Sin embargo, más allá de esta fascinación, el fenómeno plantea preguntas profundas sobre la naturaleza de la creatividad, los derechos de autor y la relación entre lo humano y lo tecnológico. Desde sus raíces en el espiritismo hasta su adopción por los surrealistas, su evolución en las vanguardias del siglo XX y su transformación hasta la Inteligencia Artificial generativa, la escritura automática ha sido un puente entre lo humano y lo sobrenatural, el inconsciente, la aleatoriedad o las ciencias de la computación. Este ensayo explora cómo la escritura automática ha desafiado las nociones tradicionales de creatividad y autoría, analizando sus manifestaciones en distintos contextos históricos y culturales, y reflexionando sobre sus implicaciones en la era de la Inteligencia Artificial (IA).
Publicidad generada con IA: oportunidades para representar la diversidad étnica en Perú
La inteligencia artificial ha transformado la creación de narrativas visuales en la publicidad, abriendo nuevas posibilidades para representar, de manera correcta, la diversidad étnica de América Latina. Este artículo tiene como objetivo examinar, mediante la metodología del análisis de contenido, la forma de representar la diversidad étnica de Perú en el spot publicitario “La ConvocatorI.A”, realizada por el Banco de Crédito del Perú. Los resultados muestran que la identidad mestiza es la más representada (66,7 %), seguida por las identidades blanca y afrodescendiente (16,7 %), lo que refleja un desequilibrio en la representación de la diversidad étnica en un país considerado uno de los más pluriculturales de la región. Este hallazgo subraya la necesidad de supervisión humana en el uso de IA para garantizar que las representaciones sean auténticas y reflejen la verdadera diversidad de las audiencias. Aunque la IA ofrece ventajas en accesibilidad y personalización, también presenta desafíos éticos, especialmente al reforzar estereotipos como la representación de características físicas predominantes en los latinos: el cabello lacio y los ojos oscuros. El spot “La ConvocatorI.A” demuestra cómo la IA puede mejorar las representaciones visuales, pero también resalta la necesidad de un enfoque más ético e inclusivo para reflejar la complejidad y riqueza de las identidades étnicas tanto en Perú como en América Latina.
Rematerialización de las imágenes digitales
El objetivo principal de este texto es elaborar una disertación teórica, estética, acerca las imágenes digitales y un análisis de algunas propuestas de creación de arte digital. Se empleará el concepto en plural: imágenes, en lugar de su unidad abstracta: la imagen, aquí se encuentra ya contenida una idea central que da sentido a esta investigación: reconocer la condición de visibilidad que hace posible la materialización de las imágenes. El segundo punto que será analizado es la distinción entre imágenes e imágenes digitales, ¿es lo mismo una imagen compuesta con pinceles y óleos o una creada de forma generativa, algorítmicamente, hecha de pixeles? ¿por qué es necesario diferenciarlas? Desde estas preguntas, se elaborarán algunos postulados teóricos y metodológicos para el estudio de las imágenes artísticas en el contexto de la creación y contemplación de arte bajo los parámetros de los cánones modernos, en contraposición con el arte generativo o digital.
Diseño de la experiencia de usuario del Repositorio de Objetos de Aprendizaje ROA-UAQ
El avance continuo de la tecnología ha transformado la manera cómo se comparte y consume conocimiento. En el ámbito educativo, las herramientas digitales se han desarrollado de manera acelerada, así se tienen sitios web educativos dinámicos, con interfaces sofisticadas, y funcionalidades para realizar tareas complejas, como los repositorios educativos. Es aquí en donde el diseño interviene, pues para diseñar estos espacios digitales es necesario estudiar cómo los usuarios interactúan con dichas interfaces, para generar experiencias óptimas. Así, el presente trabajo propone el diseño de la experiencia de usuario del Repositorio de Objetos de Aprendizaje de la Facultad de Artes (ROA-UAQ). Para esto, se implementaron las fases de análisis, diseño conceptual, diseño de prototipos y evaluación. En el análisis se ejecutaron técnicas de recolección de datos como la entrevista y encuesta para construir proto personas, y un análisis de la competencia. En el diseño conceptual se diseñaron las Personas y escenarios, y pruebas de jerarquización de contenidos como el card sorting. En el diseño de prototipos se evaluaron con expertos propuestas de prototipos de baja calidad y recorridos cognitivos de usuarios, para así diseñar prototipos de alta calidad en Figma con base en el diseño atómico y principios de usabilidad. Finalmente, el diseño se evaluó con pruebas heurísticas y pruebas en voz alta con usuarios. Para concluir, esta investigación ofrece evidencia de cómo el diseño interviene a través de un proceso sistemático en proyectos educativos, para ir desde la identificación de necesidades de usuarios hasta el diseño de interfaces usables, con el propósito de ofrecer experiencias óptimas.
Libros clásicos brasileños traducidos a imágenes mediante inteligencia artificial generativa
Este artículo describe la aplicación de herramientas de Inteligencia Artificial Generativa (IA-G) de código abierto para apoyar el proceso ilustrativo de libros de literatura clásica brasileña. El artículo relata una experiencia sobre el uso de un modelo de última generación y la pregunta central abordada es la viabilidad de dichas herramientas, así como evaluar los comportamientos positivos y negativos observados en el modelo. El estudio implementó los modelos "Stable Diffusion XL 1.0" y "Stable Diffusion XL 1.0". El proceso metodológico utilizado en esta investigación resalta los elementos formales de composición, color y textura, junto con consideraciones éticas, con la finalidad de evaluar la efectividad y sesgos de las ilustraciones generadas por la IA-G. Los resultados demostraron su potencial y resaltan los desafíos del uso de IA-G como una herramienta de apoyo a la ilustración de libros, aportando de esta forma, información valiosa sobre la intersección entre la literatura y la inteligencia artificial.
Danza, audiovisual e inteligencia artificial: una hidra algorítmica bullendo en la web
En este artículo se explora el surgimiento de los modelos generativos de creación de imágenes basados en inteligencia artificial (IA), así como la creación de movimientos de danza en dichas imágenes, cuyos cambios físicos deformantes de la materia digital-corpórea afectan su estado o apariencia “normal” como parte inherente de su manifestación. Igualmente, se hace hincapié en la problemática suscitada en torno a los aspectos éticos implicados en los procesos de entrenamiento de estos sistemas. Dos puntos resultan centrales en este análisis, por una parte, los riesgos de que los modelos generativos catalicen una desvalorización de la creatividad humana en diversas dimensiones, y por otra, que la generalización de su uso promueva una cultura visual cada vez más derivativa e inauténtica. Asimismo, se trabaja sobre algunas vías de la creación visual en el caso concreto del artista Francis Bacon, se plantea la controversia ética vinculada a la obra del artista Bruno Bresani y se focaliza en la tematización crítica de la inteligencia artificial. Finalmente, se sitúa la relación entre arte e IA, no tanto en el aprovechamiento de la capacidad creativa de esta, sino en la indagación poética y crítica sobre sus efectos en la producción de la subjetividad.
La estatua imposible: una obra realizada con la asistencia de inteligencia artificial
La estatua imposible es una obra desarrollada con ayuda de inteligencia artificial. Su elaboración ha supuesto una reconfiguración respecto al concepto de arte. En este contexto, las implicaciones de la creación artística basadas en el desarrollo tecnológico conllevan necesariamente al análisis sobre la autenticidad, la autoría y el valor estético de los objetos artístico generados con la ayuda de la IA. En este trabajo se exponen tanto el contexto y el procedimiento general de elaboración de La estatua imposible, así como los cuestionamientos a desarrollar respecto a la producción artística de los próximos años.
La inteligencia artificial generativa y su desarrollo como herramienta en el arte de la época
En la actualidad, uno de los principales conflictos dentro de la filosofía del arte radica en la apertura que ha adoptado el arte contemporáneo. Esta libertad propositiva —más que meramente creativa— ha ampliado los estándares artísticos, al punto de establecer la posibilidad de que cualquier cosa pueda ser considerada una obra de arte. Sin embargo, es importante reconocer que el arte moderno continúa vigente. Aún se crean obras que siguen estructuras plásticas tradicionales, con técnicas definidas y connotaciones subjetivas, estéticas y sensoriales. En medio de este panorama híbrido, la inteligencia artificial ha comenzado a jugar un papel relevante. Ante la ausencia de un sistema crítico unificado en el campo del arte, algunos mecenas y galeristas han aprovechado esta ambigüedad para generar nombres, firmas y precios en torno a obras de dudosa autoría o manufactura. Este fenómeno representa solo una de las múltiples formas en que se está incorporando la inteligencia artificial al ámbito artístico. Así, su irrupción se ha convertido en uno de los temas más debatidos por la teoría y la filosofía del arte contemporáneo. A partir de esta problemática, el presente trabajo se estructura en dos vertientes. La primera consiste en un estudio comparativo entre obras generadas mediante nuevas tecnologías y otras producidas antes de esta década que han destacado por su manufactura, su propuesta conceptual o su controversia. La segunda vertiente se centra en el análisis del uso de herramientas artísticas y sus implicaciones éticas. Se examinan tanto los atajos adoptados por algunos artistas —como el empleo de talleres y mano de obra externa— así como el uso actual de aplicaciones informáticas. Con base en ambos estudios, se elabora un diagnóstico crítico sobre el denominado aporte de innovación artística sustentado en las nuevas tecnologías digitales y robóticas.
Danza en colaboración cinemática con un bailarín de IA: Dancing Embryo
Este artículo explora la intersección entre la danza, la experiencia humana y la inteligencia artificial (IA), centrándose en cómo la IA puede participar en la cocreación cinemática de danza junto a intérpretes humanos. El estudio desafía las nociones tradicionales de la danza, que suelen centrarse en la fisicalidad y la expresividad humana, demostrando cómo los movimientos generados por IA pueden evocar experiencias de danza significativas. El proyecto, Dancing Embryo, es una colaboración entre un bailarín-coreógrafo y un científico computacional para crear una IA interactiva capaz de generar y transformar movimientos dancísticos. La IA, diseñada a partir de datos de movimiento de bailarines de danza contemporánea, participa en actuaciones en tiempo real acoplando características de sus movimientos con los de un bailarín humano. Este trabajo amplía la definición de danza para incluir agentes no humanos y hace hincapié en las posibilidades de cocreación entre humanos y máquinas. El artículo analiza las implicaciones tecnológicas, ontológicas y artísticas de la danza con IA, exponiendo que la experiencia de la danza puede percibirse y completarse mediante la interpretación humana, incluso cuando la ejecuta una máquina.
Reseña: El libro de las costumbres rojas de Elisa Díaz Castelo
Reseña del libro de cuentos de Elisa Díaz Castelo El libro de las costumbres rojas.
El impacto de las inteligencias artificiales en el trabajo tecnológico, artísticos y artesanal
Presentación del dossier El impacto de las inteligencias artificiales en el trabajo tecnológico, artísticos y artesanal
Invenciones y disrupciones de la inteligencia artificial en la creación musical
En este trabajo, los autores abordan el impacto de la inteligencia artificial (IA) en la industria musical, examinando sus implicaciones históricas, tecnológicas, éticas y laborales. El problema central es cómo la integración de estas nuevas herramientas, especialmente la Inteligencia Artificial Generativa (IAG), está transformando la creación y producción musical, generando tanto oportunidades como desafíos significativos. El objetivo de la investigación es explorar cómo se está remodelando la industria musical, evaluando los beneficios potenciales como la democratización de la creación musical y las disrupciones, incluyendo la pérdida de empleos y los dilemas éticos relacionados con la originalidad y la autoría. Se podría plantear que, aunque la IA puede democratizar la creación musical y aumentar la eficiencia, también puede llevar a una deshumanización del arte y a una reconfiguración del mercado laboral en la música.
Trabajo artesanal e Inteligencia Artificial: desafíos y ventajas de un encuentro ineludible
El presente trabajo tiene por objetivo traer a discusión los desafíos a los que se enfrenta el proceso de trabajo artesanal en la actualidad, considerando la llegada y el auge de la inteligencia artificial (IA). Aun cuando el proceso de trabajo artesanal fue duramente relegado por la producción industrial, ha lo-grado sobrevivir; no obstante, la IA puede pensarse como el fin del trabajo artesanal si no se discute a tiempo sobre los desafíos que le representa, lo que implica considerar también las ventajas que pueden usarse a su favor. Sobre esta base, primero se analiza el proceso de trabajo artesanal, para después problematizar el encuentro ineludible entre este y la IA, partiendo de las tesis del fin de este tipo de trabajo. Lo anterior propiciará la observación de los posibles caminos que surgen de este encuentro. La claridad sobre este tema permitirá continuar rescatando el valor incalculable que repre-senta el trabajo artesanal.
Austeridad estética: el objeto análogo como mediador al crecimiento de la IA
El objeto análogo actúa como una respuesta deliberada al avance desmedido de la inteligencia artificial, utilizando la simplicidad y la tangibilidad para contrarrestar la saturación tecnológica y reafirmar la importancia de la experiencia sensorial y emocional. Estos elementos destacan el valor de la simplicidad material y lo humano, ofreciendo una alternativa que busca equilibrar el uso de la tecnología con una apreciación por la funcionalidad y el mundo material. El objetivo de este artículo es, generar una reflexión crítica sobre la relación de la IA y la tecnología en la actualidad, y cómo la austeridad estética y los objetos físicos pueden mitigar sus efectos potencialmente alienantes, para promover un estilo de vida consciente frente a lo tecnológico, enfatizando la importancia de la simplicidad y la autenticidad. Se analiza la teoría y la práctica de la austeridad estética en la cinematografía sci-fi y el diseño para comprender cómo estas prácticas responden al avance de la IA. Como resultado, se identifican las tendencias en la integración de la austeridad estética en la producción cultural y cómo estas tendencias responden a la creciente presencia de la IA, concluyendo que la austeridad estética y el uso de objetos análogos no solo sirven como un contrapeso al avance de la IA, sino también ofrecen una oportunidad para analizar el impacto y evolución de la tecnología, proporcionando una vía para explorar la relación entre el progreso digital y las disciplinas como la cinematografía, el diseño y la estética.
El cine, arte, técnica y teoría para la formación crítica universitaria: IAgen
Las vanguardias cinematográficas han sido históricamente importantes para fomentar la creación y la innovación del cine. En la era digital, su estudio adquiere una nueva dimensión de relevancia, ya que el análisis de estas vanguardias proporciona a los estudiantes herramientas para comprender cómo el cine ha evolucionado como medio de expresión artística y de manifestación social. Este conocimiento es esencial para desarrollar un pensamiento crítico robusto, capaz de evaluar no solo el contenido de una película, sino también su forma, su contexto histórico y su relevancia cultural desde y en su entorno inmediato. Con la llegada de los modelos de lenguaje de gran escala (LLM) y de las inteligencias artificiales generativas (IAGen), los estudiantes se enfrentan a un panorama social cada vez más complejo donde las tecnologías están transformando la producción, la distribución y el análisis de películas. Los LLM pueden generar guiones o análisis críticos, mientras que las IAGen pueden crear efectos visuales o incluso secuencias enteras de películas, modificando el concepto cinematográfico. En el presente ensayo se analiza la importancia de las vanguardias cinematográficas en el desarrollo del pensamiento crítico de los estudiantes, especialmente en el contexto actual donde prolifera el modelo de lenguaje de gran escala en su forma de inteligencias artificiales generativas.
Artenomía y el impacto de las inteligencias artificiales en el trabajo artístico y artesanal
Las innovaciones tecnológicas transforman la creación y percepción del arte al modificar la manera en que se crean y perciben las obras de arte, así como cualquier actividad del *homo faber*. Estas innovaciones impactan en la creatividad, evolución e inventiva, y alteran la noción misma del proceso de producción artística. En particular las tecnologías emergentes, como las inteligencias artificiales, están transformando la creación y apreciación del arte, planteando implicaciones para los artistas, artesanos y la sociedad en general. La intersección de la tecnología, el arte y la ética en el ámbito de la inteligencia artificial (IA), posibilita una postura crítica a partir de la reducción de elementos humanos y artísticos a meros objetos o rasgos individuales. La propuesta del concepto de "artenomía" busca establecerse como el dispositivo para mediar entre la singularidad del arte y la creciente dependencia de la IA, sugiriendo que si bien la IA puede democratizar la creación artística, también plantea riesgos como la erosión de habilidades tradicionales y autenticidad. La discusión incluye la noción de "aura" de Walter Benjamin, examinando cómo la IA desafía las distinciones entre lo humano y lo máquina, y las implicaciones para la creación artística y donde se aboga por una implementación ética de la IA en el arte que respete diversas prácticas artísticas y considere implicaciones socioculturales y éticas. Una reflexión crítica sobre cómo equilibrar las oportunidades de la IA con sus riesgos, promoviendo una visión holística del arte que prioriza su significado social y cultural sobre el valor económico.
Artenomía, inteligencia artificial, posthumanismo, ética, arte
Otros futuros. Fronteras de la ciencia ficción latinoamericana
El dossier Otros futuros. Fronteras de la ciencia ficción latinoamericana de la revista HArtes vol. 5, núm. 10 (jul-dic 2024) fue coordinado por el Dr. Samuel Lagunas Cerda para quien, como crítico literario y estudioso de la ciencia ficción, ha sido un placer descubrir que en los textos que componen este dossier, las novelas y los cuentos ocupan un lugar menor. En cambio, el teatro, la novela gráfica, el webcómic y la instalación artística son los protagonistas de las investigaciones que aquí se presentan. Geográficamente, en este dossier se pone especial énfasis en obras ecuatorianas y mexicanas, lo que resulta relevante, puesto que, de la región andina, Ecuador es uno de los países que han sido menos explorados. La pregunta o la búsqueda por saber qué es lo que distingue a la ciencia ficción latinoamericana respecto de la ciencia ficción del Norte global es una recurrencia, casi una obsesión, en la que llevamos enfrascados quienes estudiamos este tema, y, afortunadamente, en estos artículos se plantean nuevos desafíos que complejizan aún más este empeño.
Derechos de autor 2024 HArtes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El arte callejero como dispositivo de cambio social: el caso de la Comuna 13 de Medellín
La Comuna 13 es una de las 16 comunas de Medellín. A causa de una complicada historia de abandono estatal, violencia, y operaciones militares, fue considerada uno de los sectores más peligrosos de la ciudad. En años recientes, ha experimentado una importante transformación convirtiéndose en uno de los sectores más seguros y turísticos de Medellín. Este cambio se debe a la importante escena de arte callejero que se desarrolló en los espacios públicos de la comuna. El objetivo de esta investigación fue comprender el impacto del arte callejero en la transformación de la Comuna y en las experiencias de vida de los habitantes. La investigación se llevó a cabo utilizando el método de la etnografía caminando. El método de caminar con los participantes por un espacio urbano se está volviendo cada vez más común en aquellas investigaciones que buscan comprender las experiencias y los problemas relacionados con un lugar particular. Los beneficios de este método se basan en el hecho de que la inmersión sensorial en un lugar ayuda a los entrevistados a revivir los recuerdos relacionados con ese lugar. A través de los recuerdos, es posible explorar no solo las experiencias personales de los participantes, sino también elementos culturales, políticos, sociales y económicos generales. En el transcurso de las caminatas se logró evidenciar que los participantes consideran el arte callejero como uno de los principales elementos que ha contribuido a la “trasformación” de la comuna. Esto se debe a que han tenido la capacidad de mejorar el aspecto de los espacios públicos y, al mismo tiempo, atraer visitantes que han introducido nuevos flujos de capital en la economía local, mejorando la calidad de vida de la comunidad. Esta investigación demuestra una vez más que el arte callejero puede ser una herramienta poderosa de cambio social para comunidades vulnerables.
Comuna 13; arte callejero; antropología urbana, etnografía caminando
Artesanos indígenas, tecnologías digitales y auras precarizadas. Una reflexión sobre el arte contemporáneo
En una época donde el arte contemporáneo se ve cada vez más intervenido por las tecnologías digitales, el propósito del presente ensayo es hacer una crítica al monopolio del capital que impone su lógica mercantilista sobre los procesos creativos de los nuevos trabajadores que intentan resistir desde las producciones artesanales. A través de un análisis crítico, y por medio de una metodología abductiva, el presente ensayo intenta explicar cómo el aura de la obra de arte nunca dejó de estar presente incluso en los espacios culturales más periféricos. Si bien es cierto que el aura, como categoría estética, ha caído en desuso desde que Walter Benjamin la puso en entredicho, es importante señalar que su empleo nos permite entender que las piezas artesanales son productos que se resisten a ser parte de la narrativa hegemónica del arte contemporáneo. En este contexto donde la obra de arte se convirtió en un artículo de lujo, la labor del artesano toma fuerza como ejemplo de rebeldía frente a un sistema que tiende a precarizar al sujeto creativo.
tecnologías digitales, aura, obra de arte.
Reseña del libro: En el umbral de lo sagrado. Reflexiones teóricas de la danza desde la práctica escénica
El escrito expone la reseña del libro "En el umbral de lo sagrado. Reflexiones teóricas de la danza desde la práctica escénica", de la maestra Cecilia Lugo.
La condición humana en la ciencia ficción. Un análisis antropológico
La condición humana no está relegada a su mera existencia. Somos seres plurales y diversos. Somos sujetos que sujetan y sujetos sujetados. Somos polisémicos y multiformes. Somos producto de las condiciones y productores de condicionantes de la vida humana. Partiendo de fomentar un diálogo abierto entre algunas aproximaciones antropológicas y de la ciencia ficción a la idea del otro, el presente texto busca reflexionar sobre la naturaleza de la condición humana. Empleando un esquema crítico-reflexivo sobre la naturaleza de ciertos textos insignes en ambas áreas, tales como: “Los argonautas del pacífico occidental”, “El ruido del trueno” y “El muro de oscuridad”, se analiza si, en un mundo preñado por la visualidad y el culto a la imagen, los relatos etnográficos y los de ciencia ficción pueden precisar algún aporte para comprender mejor nuestro presente y futuro. A la luz de preguntas como: ¿Cuál es la condición humana que plantean –o puedan plantear– estas obras? Este análisis se divide tres apartados: La condición humana en la antropología y la ciencia ficción; El ruido de un trueno, el mundo de oscuridad y los archipiélagos de la Nueva Guinea y; ¿Hacia dónde va la narrativa en la antropología y la ciencia ficción? Apartados que pretenden conectar, por un lado, las narrativas etnográficas con las de ciencia ficción, y, por otro, dilucidar preguntas tales como ¿qué es la condición humana? ¿hacia dónde se orienta?
Tecnologías futuras andinas en Ángelus Hostis y Andean Sky
El presente estudio analiza dos obras ecuatorianas de ciencia ficción que exploran futuros tecnológicos en los Andes. Por un lado, Ángelus Hostis es una novela gráfica cyberpunk que imagina un Ecuador en 2120 con energía de fusión nuclear y una sociedad controlada por una red digital omnipresente. Por otro lado, Andean Sky es un webcómic que se centra en la migración y presenta tecnologías aéreas y de la construcción futuristas en el desarrollo de la trama. Ambas obras abordan temas como el poder, el control, la naturaleza humana y los conflictos sociales en un contexto de desarrollo tecnológico, ofreciendo una reflexión crítica sobre el futuro tecnológico de Latinoamérica y la influencia de la ciencia ficción en la región andina.
Indígenas cambiando el Occidente antiguo: las ucronías reivindicativas de la historia
¿Qué hubiera pasado si las civilizaciones originarias de América hubieran descubierto y colonizado Europa? Esta pregunta, por más fantástica, está traspasada por la intención de volver la mirada a las culturas indígenas no con una mirada romántica, sino con una que inquiere los posicionamientos de muchos grupos sociales que reafirman su occidentalismo. Así, la ciencia ficción ucrónica propone distintas formas de respuesta y muestra otra manera de contar la “historia”, probablemente reivindicando, o haciendo crítica a la razón occidental. En este artículo se quiere evidenciar cómo, desde dicha racionalidad, ciertos escritores y artistas, intentan repensar el otro lado de la Historia, la de aquellos que deberían tener voz y presencia activa e incluso presencia política que emplace un nuevo ethos. Así, desde los estudios de literatura comparada, exponemos y tratamos de encontrar nexos y tensiones en los discursos de la instalación artística y el libro-álbum de Eduardo Villacís, El espejo humeante (Ecuador, 2003) y las novelas de Federico Andahazi, El conquistador (Argentina, 2006) y de Lauren Binet, Civilizaciones (Francia, 2020). Tales obras adelantan una tesis que probablemente tiene que ver con las actuales emergencias indígenas: ¿Qué pasaría si efectivamente el gobierno del mundo contemporáneo estuviese en manos de las nacionalidades indígenas? La ciencia ficción latinoamericana y europea pareciera que discute esta idea desde un horizonte crítico ficcional de notable interés.
Implicaciones filosóficas de la literatura de ciencia ficción (desde la hermenéutica analógica)
Para este trabajo se propone que la literatura en general y el particular, específicamente la de ciencia ficción, tiene implicaciones filosóficas, desde la Hermenéutica analógica. Esta enseña que todo texto se comprende y explica desde su contexto, así como que todo texto es símbolo, esto es, conecta con un significado oculto que es posible descubrir. Los textos literarios esconden un significado filosófico. La hermenéutica analógica sirve para encontrarlo. Para este trabajo se ha optado por tres cuentos de literatura de ciencia ficción. Antes, empero, de tratar sus implicaciones filosóficas, se exponen las consideraciones teóricas pertinentes de la hermenéutica analógica.
“Noticias del Imperio” y la demencia carlotiana: una aproximación al nuevo historicismo y su reflexión ontológica
La nueva novela histórica, surgida desde 1979, amplía la diversidad temática y narrativa. "Noticias del Imperio" de Fernando del Paso desafía las convenciones al utilizar la historia como medio para la reconstrucción del pasado. Carlota personifica la locura reveladora, subvirtiendo la narrativa histórica tradicional y explorando la complejidad humana. La novela emplea recursos metaficcionales para cuestionar la veracidad histórica y desmitificar la imagen idealizada de los personajes históricos. La locura de Carlota, así como la narrativa de la novela, buscan trascender la realidad histórica y reflexionar sobre la condición humana, empleando la intertextualidad y la parodia para reinterpretar la historia desde diversas perspectivas, desafiando los límites establecidos y ofreciendo una visión más amplia de la verdad histórica. La obra también examina la naturaleza transgresora de la nueva novela histórica, que desafía la hegemonía establecida en la comprensión de la historia y la memoria, introduciendo una reflexión ontológica que sería censurada por el canon tradicional.
Mirar al futuro: una aproximación al análisis textual de la distopía cinematográfica
Dentro del amplio espectro que ocupa la ciencia ficción, la distopía se ha convertido, en los últimos años, en uno de los objetos de estudio más abordados por los círculos académicos. Sin embargo, la mayor parte de las investigaciones en torno a la producción audiovisual distópica han priorizado la indagación en sus aspectos puramente narrativos, ignorando los elementos formales que articulan el texto audiovisual. Lo que aquí se propone es ofrecer una posible aproximación a las imágenes distópicas desde un enfoque que integre el análisis crítico y contextual de estas producciones audiovisuales con un análisis propiamente fílmico. Para ello, y a modo de muestra de las posibilidades de este enfoque, abordaremos el análisis de algunos de los filmes distópicos más relevantes del siglo XXI: desde Minority Report, de Steven Spielberg (2002) a Ready Player One (2018), del mismo director, pasando por la Children of Men de Alfonso Cuarón (2006) o la Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve (2017). Tomando como referencia la noción de texto fílmico de autores Barthes, Kristeva, Metz y Carmona, pretendemos abordar el análisis a partir de dos ejes fundamentales y complementarios: uno que atienda a la relación entre texto(s) y contexto(s), y otro que se ocupe de analizar las posibles identificaciones propuestas por los filmes desde la propuesta en torno a la mirada espectatorial.
Arte post-mexicano. Arte más allá del sentir mexicano: la aprehensión del discurso al margen de las territorialidades simbólicas
El arte mexicano siempre ha sido difícil de conceptualizar. Desde nociones que engloban la determinación substancial nacionalista, hasta discursos que se alienan completamente de la aprehensión de lo cultural y social del país, el arte mexicano navega en un terreno vaporoso que es mutable en sí mismo, y que, por ende, es intangible al tacto. Su conformación gaseosa ha dependido de las diferentes miradas (muchas de estas siendo extranjeras), que lo han estructurado y modelado a través de envases específicos. Estas modulaciones han propiciado el nombramiento del arte mexicano a través de estructuras compactas que mientras permiten una visualización “pertinente”, encierran y controlan la posibilidad de expansión del mismo. El acto de nombrar es una instancia de poder, y en este sentido, el arte mexicano, no se ha podido nombrar a sí mismo, este más bien, siempre ha sido nombrado. Es por ello que el arte post-mexicano se presenta como una posibilidad de subversión a través de la aprehensión del simbolismo que conforma a la mexicanidad, y la transgresión de dichos elementos en la reconceptualización de un imaginario nuevo, que posibilite una conscientización del ser mexicano en tiempos postmodernos. El arte post-mexicano engloba la noción del decolonialismo, a través de una transculturación simbólica por medio de la reaprehensión de los arquetipos que conformaron (y siguen conformando) la cárcel identitaria de lo mexicano, con la posibilidad de hacer una relectura no solo del lenguaje artístico, sino de la misma conformación y conceptualización del ser nacional.
El absurdo post apocalíptico en “Terraza con jardín infernal” de Francisco Tario
Uno de los temas apremiantes de la contemporaneidad es la debacle ambiental, inherente a cualquier habitante del planeta. La literatura es una de las expresiones que se ha ocupado de advertir esta problemática. En particular, la ciencia ficción dialoga de forma permanente con las posibilidades que nos ofrece la ciencia; se pregunta sobre el devenir problematizando el presente. Una de las formas de manifestarse es mediante el teatro, género emocional y corporal, el cual propicia la libertad de las expresiones humanas. En una actualidad que no parece otorgar grandes garantías de un futuro halagador, se convierten, en conjunto, en un artefacto adecuado para inquirir sobre las condiciones venideras y afrontarlas. Para desarrollar estas ideas, revisaré la pieza teatral “Terraza con jardín infernal” del escritor mexicano Francisco Tario, con base en planteamientos de la ecocrítica y del cyberpunk.
Senderos del Peñasco: metáfora de una cosmonauta mestiza transfronteriza a través de la danza contemporánea
El presente artículo aborda el discurso estético-político de la obra de danza contemporánea “Senderos del Peñasco”, en la que se exploran las posibilidades de imaginar al cuerpo danzante como depositario de memorias y lugar de enunciación. En un proceso creativo guiado por un equipo multidisciplinario, la historia de su directora e intérprete como mujer artista mestiza y migrante es el punto desde el cual se elabora una metáfora escénica a través de un cuerpo danzante que cuestiona la invisibilidad y marginalización de ciertos grupos sociales por su sexo, color de piel y origen étnico. Desde una perspectiva antropológica se analizan las nociones de cuerpo como archivo vivo y la autobiografía como recursos para la construcción de discursos artísticos que interpelan la realidad social. En las conclusiones se argumenta que la exploración de la memoria a través del cuerpo proporciona un espacio para repensar y reinterpretar nuestras historias y, que, en el caso de las artes contemporáneas, su configuración comodiscursos estéticos-políticos implica otras formas posibles de explorar y hablar sobre nosotras y nosotros mismos.