HArtes (ISSN: 2954-470X) es una publicación semestral de acceso abierto editada por la Universidad Autónoma de Querétaro a través de la Facultad de Artes. La revista se centra en la difusión y la producción de conocimiento en el campo de las artes y las humanidades. Sus fascículos se publican de manera electrónica e incluyen artículos académicos, ensayos críticos, traducciones y/o reseñas en formato PDF, así como XML. Se aceptan Envíos de textos escritos en español o inglés, con la exigencia de que sean originales y que respeten las Políticas Editoriales.
Presentación del dossier "Artivismos y pedagogías populares para desarmar las violencias"
Derechos de autor 2026 HArtes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Mariposas al vuelo: investigación artística y resonancia afectiva frente a las violencias feminicidas
Nosotras Sobrevivientes: sostener la vida juntas es una exposición que recoge un proceso de investigación-acción participativa que derivó en una investigación artística. Este tipo de estudio se realizó junto con niñas y adolescentes atravesadas por un continuum de violencias feminicidas que, a su vez, vivieron temporalmente en un anexo en Tlajomulco de Zúñiga, Jalisco. Asimismo, en el presente artículo se entiende la investigación artística como una práctica de conocimiento situado, donde la creación colectiva deviene como forma de indagación y vínculo. La muestra incorporó dispositivos de resonancia, tales como el libro de visitas con preguntas abiertas y mariposas de papel donde las personas visitantes escribieron mensajes a las creadoras. Estos dispositivos operaron como archivo vivo, es decir, no como un repositorio, sino como un tejido en movimiento de sensibilidades y respuestas éticas. A la luz de las ideas de Rita Segato, Audre Lorde, Sara Ahmed y Pablo Martínez-Zárate, este texto sitúa los lenguajes agramaticales, la pedagogía excéntrica y las prácticas artísticas como modos para interrumpir la habituación a la violencia sin fetichizar el dolor. El foco no está en “empoderamientos” ni en clausuras reparadoras, sino en lo que se hace posible cuando la investigación se entrelaza con la creación colectiva como umbral para pensar, sentir y hacer en común. Más que ofrecer soluciones, la experiencia abre grietas para experimentar prácticas investigativas, así como pedagógicas, que antepongan la imaginación, la ternura y el cuidado en contextos de violencia estructural.
Scroll, click y resistencia: artivismo digital y pedagogía afectiva en la era de los memes
Este ensayo crítico examina el potencial del artivismo digital como herramienta pedagógica en la enseñanza del diseño y la comunicación visual, a través del análisis de seis cuentas de redes sociales que entrelazan narrativas visuales, activismo y estrategias de alfabetización mediática. La investigación se enmarca dentro de los paradigmas de la pedagogía crítica y afectiva (Freire, 1970/2014; Giroux, 1992; hooks, 2021) y se enriquece con aportaciones recientes sobre activismo digital y alfabetización visual crítica (Blaagaard y Roslyng, 2022; Hellman y Häikiö, 2024). Se fundamenta además en la noción de aula expandida (Scolari, 2015 y 2021), entendida como la integración de entornos digitales con prácticas de aprendizaje tanto formales como informales. La selección de casos se basó en su intencionalidad educativa o política, así como en la diversidad de formatos y su potencial para fomentar la reflexión crítica. El análisis se estructura en torno a tres modalidades de interacción con la enseñanza: seguimiento autónomo, integración deliberada y aprendizaje incidental; las cuales se correlacionan con tres niveles pedagógicos: formación visual extramuros, análisis crítico en el aula y utilización como recurso didáctico. El texto sostiene la imperiosa necesidad de un rol docente mediador, que sea capaz de contextualizar y resignificar estas prácticas con el fin de fortalecer la alfabetización visual, así como el pensamiento crítico, en el marco de los lenguajes culturales contemporáneos.
Humanizar los sistemas biométricos: un acto de tolerancia ante lo diferente, lo opuesto, lo singular y lo desconocido
Actualmente, los sistemas biométricos son utilizados por los servicios de inteligencia y seguridad para detectar delincuentes. En la obra Nivel de Confianza (2015) de Rafael Lozano-Hemmer se utilizó un sistema similar para que el público se pudiera reconocer en alguno de los 43 estudiantes desaparecidos de Ayotzinapa. La apariencia de los estudiantes, quienes en su mayoría tenían rasgos indígenas, lleva a pensar si su desaparición tiene que ver con la idea racista y clasista de eliminar de la tierra todo aquello que sea diferente, opuesto o singular. En el año 2018, Nivel de Confianza se presentó en el XII Simposio de Artes Visuales del Instituto de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, lo que dio pie a que la comunidad comentara y reflexionara sobre ese crimen de lesa humanidad y el papel del Estado mexicano.
Bordado y experiencia menstrual: metodología participativa en jóvenes universitarias desde la Interculturalidad
El presente artículo expone los resultados preliminares de una investigación doctoral en Estudios Críticos de Género sobre la experiencia menstrual de mujeres jóvenes de San Felipe del Progreso, Estado de México. Se destaca la menstruación como un fenómeno biológico, cultural y político. Se adoptó una metodología participativa centrada en un taller de bordado denominado Tejiendo ciclos, dirigido a mujeres estudiantes universitarias como estrategia de investigación sensible y horizontal. El bordado se empleó como práctica feminista de resistencia, así como herramienta pedagógica que propicia la reflexión colectiva desde la cuerpa y la afectividad. El taller permitió recuperar testimonios sobre las primeras experiencias menstruales, los mitos culturales, las estrategias de autocuidado y la percepción de la menstruación digna. Las participantes compartieron vivencias marcadas por el estigma, la desinformación y la violencia simbólica, así como prácticas de acompañamiento intergeneracional, educación afectiva y resignificación de la cuerpa. El bordado funcionó como medio para articular saberes personales, generar redes de apoyo y disputar sentidos hegemónicos en torno a la menstruación. Los resultados permiten concluir que las metodologías participativas como el bordado abren espacias para la agencia, el empoderamiento y la producción de conocimiento situado. Con ello se propicia una pedagogía del cuidado que posibilita la vivencia menstrual en una experiencia colectiva, política, liberadora, gozosa y alegre.
Tejer la memoria, bordar la diferencia: artivismo textil y agencia política de personas con discapacidad
Este artículo se inscribe en el marco de las estéticas del duelo y la memoria, explorando cómo la práctica artivista, en este caso el bordado colectivo, puede contribuir a procesos de elaboración simbólica del dolor, resistencia y justicia desde las comunidades históricamente excluidas. Se articulan dos líneas complementarias: por un lado, el análisis del bordado como práctica artivista; por otro, su potencia como espacio epistemológico situado. La problemática central radica en la exclusión histórica de las personas con discapacidad de los marcos oficiales de memoria y producción de conocimiento en Chile, así como la persistencia de lógicas capacitistas en la esfera tanto pública como cultural. El objetivo fue comprender cómo el artivismo textil se configura como una práctica crítica que entrelaza creación, memoria y agencia política, habilitando formas encarnadas de denuncia y resistencia. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo, etnográfico y colaborativo, centrado en el trabajo junto con el Colectivo Nacional por la Discapacidad (CONADIS) y las Bordadoras de la Villa Frei, a través de sesiones de creación, intervenciones públicas y análisis fotoetnográfico. Esta metodología enfatiza el hacer como forma de saber, integrando técnicas visuales, afectivas y narrativas. Los resultados muestran que el bordado colectivo opera como una forma de duelo activo y performativo, donde el textil se convierte en archivo afectivo, así como en lenguaje visual de denuncia. Estas prácticas permiten visibilizar memorias silenciadas, especialmente en contextos marcados por la represión, la violencia estructural y la negación del derecho a la memoria. En la discusión, se plantea que el bordado colectivo no solo es arte o activismo, sino que se trata de una práctica situada de reparación simbólica y de lucha por justicia epistémica, misma que desafía las narrativas hegemónicas desde los márgenes de la ciudadanía cultural.
Reflexiones autoetnográficas sobre bordado, el dolor y las posibilidades de la sanación colectiva
Este artículo explora el bordado como práctica epistémica, pedagógica, artística y sanadora desde una perspectiva feminista situada en América Latina. A partir de un enfoque autoetnográfico, se aborda el proyecto Bordar para sanar, el cual nace en 2019, para pensar al bordado como una herramienta creativa y política para reflexionar sobre el dolor, la depresión crónica; y al mismo tiempo, como una vía para reflexionar las posibilidades del cuidado colectivo y la sanación. Asimismo, se expone el ejercicio pedagógico feminista Las telarañas que nos sostienen, desarrollado en talleres en México y Centroamérica, el cual permite mapear redes tanto de cuidado como de sostén en contextos de vulnerabilidad. A través de una genealogía de experiencias textiles —que abarca desde los quilts afrodescendientes, pasando por las arpilleras chilenas, hasta llegar a los pañuelos de las Madres de Plaza de Mayo— se analiza cómo el bordado ha funcionado como lenguaje y soporte, al igual que como vehículo de memoria, resistencia y denuncia frente a la violencia colonial, patriarcal y estatal. El presente artículo sostiene que el bordado no solo sana en lo individual, sino que también constituye una metodología feminista, así como una práctica artística capaz de producir conocimiento, generando vínculos afectivos, a la vez que habilita procesos de resistencia y transgresión.
El tejido como práctica feminista y comunitaria, una experiencia colectiva. Tejidos y tramas en Quito, Ecuador
Sobrevivir al feminicidio de una hija, madre o hermana. Experiencias de arteterapia en Yucatán, México
En este texto nos proponemos llamar la atención sobre la necesidad de reflexionar y actuar respecto a la gestión y al acompañamiento emotivo de las víctimas indirectas de feminicidio. Presentamos una experiencia de trabajo con cinco familias que han padecido el feminicidio de alguna de sus mujeres o niñas en el estado de Yucatán, que buscó construir un espacio de introspección y expresión emotiva en el que las familias pudieran conectar con los sentimientos que emergían frente a la pregunta: ¿Qué habita en tu corazón cuando piensas en tu hija, madre o hermana? Damos cuenta de cómo a través de una sesión de arteterapia -una herramienta para trabajar la salud mental, conjugada con la pedagogía de la ternura y la vulnerabilidad- este espacio de introyección, creación, y expresión emocional abrió la posibilidad de que las familias revictimizadas conectaran con sus emociones, las reconocieran y las trasmitieran -a través del papel, los colores y la tinta- a la sociedad que las ha ignorado o las mira con indiferencia.
Virtualidad, experiencia inmersiva e IA: nuevos espacios y narrativas para las prácticas artísticas
Presentación del dossier Virtualidad, experiencia inmersiva e IA: nuevos espacios y narrativas para las prácticas artísticas
Derechos de autor 2025 HArtes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Tecnología, arte, paz y pedagogía. Convergencias en la construcción de comunidades resilientes
La violencia adopta múltiples clasificaciones y perspectivas derivadas de los diversos tipos de violencias que, al interactuar entre sí dentro de las comunidades, dificultan la construcción de entornos pacíficos. Para su intervención, se han desarrollado pedagogías situadas que atienden la violencia como una problemática multidimensional, es decir, que no se circunscribe a fronteras, estratos sociales o ciclos vitales, sino que es caracterizada por un impacto transversal. En este contexto, este estudio se propuso analizar experiencias que integran el arte, la tecnología y la pedagogía para desarmar las distintas violencias. Para lograr el objetivo, se realizó un análisis cualitativo de enfoque comparativo y narrativo de múltiples casos, centrado en prácticas transformadoras que integran el arte, la tecnología y la pedagogía para desarmar las violencias. Como técnica de recolección, se empleó la revisión documental de informes, plataformas y materiales formativos. La muestra analizada (n=6) se conformó mediante un muestreo intencional y no probabilístico. Los resultados mostraron una concentración de experiencias en España, con la participación de la Unión Europea como principal financiadora, así como una ejecución concentrada en las ONG. En general, la muestra estudiada posee una dimensión artivista centrada mayoritariamente en la narrativa, la alfabetización digital y la instrumentalización de las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC), focalizadas en la atención de población joven, derivando como resultado en material de visibilización de los alcances prioritarios del proyecto. En conclusión, las TIC poseen dinámicas que pueden interferir en los procesos de atención y generación de las violencias. La intervención debe corresponder al conocimiento situado, reconociendo los factores locales, experiencias vivenciales y narrativas subalternas y divergentes de la propia narrativa que se desea establecer. La paz implica el reconocimiento de la diferencia y su valor como elemento constitutivo de la realidad.
Tecnologías de la información y de la comunicación (TIC)
Escritura automática: del espiritismo a la inteligencia artificial
La escritura automática, ese fenómeno en el que las palabras fluyen sin la mediación consciente del autor, ha fascinado a escritores, artistas y científicos desde sus orígenes. Sin embargo, más allá de esta fascinación, el fenómeno plantea preguntas profundas sobre la naturaleza de la creatividad, los derechos de autor y la relación entre lo humano y lo tecnológico. Desde sus raíces en el espiritismo hasta su adopción por los surrealistas, su evolución en las vanguardias del siglo XX y su transformación hasta la Inteligencia Artificial generativa, la escritura automática ha sido un puente entre lo humano y lo sobrenatural, el inconsciente, la aleatoriedad o las ciencias de la computación. Este ensayo explora cómo la escritura automática ha desafiado las nociones tradicionales de creatividad y autoría, analizando sus manifestaciones en distintos contextos históricos y culturales, y reflexionando sobre sus implicaciones en la era de la Inteligencia Artificial (IA).
Publicidad generada con IA: oportunidades para representar la diversidad étnica en Perú
La inteligencia artificial ha transformado la creación de narrativas visuales en la publicidad, abriendo nuevas posibilidades para representar, de manera correcta, la diversidad étnica de América Latina. Este artículo tiene como objetivo examinar, mediante la metodología del análisis de contenido, la forma de representar la diversidad étnica de Perú en el spot publicitario “La ConvocatorI.A”, realizada por el Banco de Crédito del Perú. Los resultados muestran que la identidad mestiza es la más representada (66,7 %), seguida por las identidades blanca y afrodescendiente (16,7 %), lo que refleja un desequilibrio en la representación de la diversidad étnica en un país considerado uno de los más pluriculturales de la región. Este hallazgo subraya la necesidad de supervisión humana en el uso de IA para garantizar que las representaciones sean auténticas y reflejen la verdadera diversidad de las audiencias. Aunque la IA ofrece ventajas en accesibilidad y personalización, también presenta desafíos éticos, especialmente al reforzar estereotipos como la representación de características físicas predominantes en los latinos: el cabello lacio y los ojos oscuros. El spot “La ConvocatorI.A” demuestra cómo la IA puede mejorar las representaciones visuales, pero también resalta la necesidad de un enfoque más ético e inclusivo para reflejar la complejidad y riqueza de las identidades étnicas tanto en Perú como en América Latina.
Rematerialización de las imágenes digitales
El objetivo principal de este texto es elaborar una disertación teórica, estética, acerca las imágenes digitales y un análisis de algunas propuestas de creación de arte digital. Se empleará el concepto en plural: imágenes, en lugar de su unidad abstracta: la imagen, aquí se encuentra ya contenida una idea central que da sentido a esta investigación: reconocer la condición de visibilidad que hace posible la materialización de las imágenes. El segundo punto que será analizado es la distinción entre imágenes e imágenes digitales, ¿es lo mismo una imagen compuesta con pinceles y óleos o una creada de forma generativa, algorítmicamente, hecha de pixeles? ¿por qué es necesario diferenciarlas? Desde estas preguntas, se elaborarán algunos postulados teóricos y metodológicos para el estudio de las imágenes artísticas en el contexto de la creación y contemplación de arte bajo los parámetros de los cánones modernos, en contraposición con el arte generativo o digital.
Diseño de la experiencia de usuario del Repositorio de Objetos de Aprendizaje ROA-UAQ
El avance continuo de la tecnología ha transformado la manera cómo se comparte y consume conocimiento. En el ámbito educativo, las herramientas digitales se han desarrollado de manera acelerada, así se tienen sitios web educativos dinámicos, con interfaces sofisticadas, y funcionalidades para realizar tareas complejas, como los repositorios educativos. Es aquí en donde el diseño interviene, pues para diseñar estos espacios digitales es necesario estudiar cómo los usuarios interactúan con dichas interfaces, para generar experiencias óptimas. Así, el presente trabajo propone el diseño de la experiencia de usuario del Repositorio de Objetos de Aprendizaje de la Facultad de Artes (ROA-UAQ). Para esto, se implementaron las fases de análisis, diseño conceptual, diseño de prototipos y evaluación. En el análisis se ejecutaron técnicas de recolección de datos como la entrevista y encuesta para construir proto personas, y un análisis de la competencia. En el diseño conceptual se diseñaron las Personas y escenarios, y pruebas de jerarquización de contenidos como el card sorting. En el diseño de prototipos se evaluaron con expertos propuestas de prototipos de baja calidad y recorridos cognitivos de usuarios, para así diseñar prototipos de alta calidad en Figma con base en el diseño atómico y principios de usabilidad. Finalmente, el diseño se evaluó con pruebas heurísticas y pruebas en voz alta con usuarios. Para concluir, esta investigación ofrece evidencia de cómo el diseño interviene a través de un proceso sistemático en proyectos educativos, para ir desde la identificación de necesidades de usuarios hasta el diseño de interfaces usables, con el propósito de ofrecer experiencias óptimas.
Libros clásicos brasileños traducidos a imágenes mediante inteligencia artificial generativa
Este artículo describe la aplicación de herramientas de Inteligencia Artificial Generativa (IA-G) de código abierto para apoyar el proceso ilustrativo de libros de literatura clásica brasileña. El artículo relata una experiencia sobre el uso de un modelo de última generación y la pregunta central abordada es la viabilidad de dichas herramientas, así como evaluar los comportamientos positivos y negativos observados en el modelo. El estudio implementó los modelos "Stable Diffusion XL 1.0" y "Stable Diffusion XL 1.0". El proceso metodológico utilizado en esta investigación resalta los elementos formales de composición, color y textura, junto con consideraciones éticas, con la finalidad de evaluar la efectividad y sesgos de las ilustraciones generadas por la IA-G. Los resultados demostraron su potencial y resaltan los desafíos del uso de IA-G como una herramienta de apoyo a la ilustración de libros, aportando de esta forma, información valiosa sobre la intersección entre la literatura y la inteligencia artificial.
Danza, audiovisual e inteligencia artificial: una hidra algorítmica bullendo en la web
En este artículo se explora el surgimiento de los modelos generativos de creación de imágenes basados en inteligencia artificial (IA), así como la creación de movimientos de danza en dichas imágenes, cuyos cambios físicos deformantes de la materia digital-corpórea afectan su estado o apariencia “normal” como parte inherente de su manifestación. Igualmente, se hace hincapié en la problemática suscitada en torno a los aspectos éticos implicados en los procesos de entrenamiento de estos sistemas. Dos puntos resultan centrales en este análisis, por una parte, los riesgos de que los modelos generativos catalicen una desvalorización de la creatividad humana en diversas dimensiones, y por otra, que la generalización de su uso promueva una cultura visual cada vez más derivativa e inauténtica. Asimismo, se trabaja sobre algunas vías de la creación visual en el caso concreto del artista Francis Bacon, se plantea la controversia ética vinculada a la obra del artista Bruno Bresani y se focaliza en la tematización crítica de la inteligencia artificial. Finalmente, se sitúa la relación entre arte e IA, no tanto en el aprovechamiento de la capacidad creativa de esta, sino en la indagación poética y crítica sobre sus efectos en la producción de la subjetividad.
La estatua imposible: una obra realizada con la asistencia de inteligencia artificial
La estatua imposible es una obra desarrollada con ayuda de inteligencia artificial. Su elaboración ha supuesto una reconfiguración respecto al concepto de arte. En este contexto, las implicaciones de la creación artística basadas en el desarrollo tecnológico conllevan necesariamente al análisis sobre la autenticidad, la autoría y el valor estético de los objetos artístico generados con la ayuda de la IA. En este trabajo se exponen tanto el contexto y el procedimiento general de elaboración de La estatua imposible, así como los cuestionamientos a desarrollar respecto a la producción artística de los próximos años.
La inteligencia artificial generativa y su desarrollo como herramienta en el arte de la época
En la actualidad, uno de los principales conflictos dentro de la filosofía del arte radica en la apertura que ha adoptado el arte contemporáneo. Esta libertad propositiva —más que meramente creativa— ha ampliado los estándares artísticos, al punto de establecer la posibilidad de que cualquier cosa pueda ser considerada una obra de arte. Sin embargo, es importante reconocer que el arte moderno continúa vigente. Aún se crean obras que siguen estructuras plásticas tradicionales, con técnicas definidas y connotaciones subjetivas, estéticas y sensoriales. En medio de este panorama híbrido, la inteligencia artificial ha comenzado a jugar un papel relevante. Ante la ausencia de un sistema crítico unificado en el campo del arte, algunos mecenas y galeristas han aprovechado esta ambigüedad para generar nombres, firmas y precios en torno a obras de dudosa autoría o manufactura. Este fenómeno representa solo una de las múltiples formas en que se está incorporando la inteligencia artificial al ámbito artístico. Así, su irrupción se ha convertido en uno de los temas más debatidos por la teoría y la filosofía del arte contemporáneo. A partir de esta problemática, el presente trabajo se estructura en dos vertientes. La primera consiste en un estudio comparativo entre obras generadas mediante nuevas tecnologías y otras producidas antes de esta década que han destacado por su manufactura, su propuesta conceptual o su controversia. La segunda vertiente se centra en el análisis del uso de herramientas artísticas y sus implicaciones éticas. Se examinan tanto los atajos adoptados por algunos artistas —como el empleo de talleres y mano de obra externa— así como el uso actual de aplicaciones informáticas. Con base en ambos estudios, se elabora un diagnóstico crítico sobre el denominado aporte de innovación artística sustentado en las nuevas tecnologías digitales y robóticas.
Danza en colaboración cinemática con un bailarín de IA: Dancing Embryo
Este artículo explora la intersección entre la danza, la experiencia humana y la inteligencia artificial (IA), centrándose en cómo la IA puede participar en la cocreación cinemática de danza junto a intérpretes humanos. El estudio desafía las nociones tradicionales de la danza, que suelen centrarse en la fisicalidad y la expresividad humana, demostrando cómo los movimientos generados por IA pueden evocar experiencias de danza significativas. El proyecto, Dancing Embryo, es una colaboración entre un bailarín-coreógrafo y un científico computacional para crear una IA interactiva capaz de generar y transformar movimientos dancísticos. La IA, diseñada a partir de datos de movimiento de bailarines de danza contemporánea, participa en actuaciones en tiempo real acoplando características de sus movimientos con los de un bailarín humano. Este trabajo amplía la definición de danza para incluir agentes no humanos y hace hincapié en las posibilidades de cocreación entre humanos y máquinas. El artículo analiza las implicaciones tecnológicas, ontológicas y artísticas de la danza con IA, exponiendo que la experiencia de la danza puede percibirse y completarse mediante la interpretación humana, incluso cuando la ejecuta una máquina.
Reseña: El libro de las costumbres rojas de Elisa Díaz Castelo
Reseña del libro de cuentos de Elisa Díaz Castelo El libro de las costumbres rojas.
El impacto de las inteligencias artificiales en el trabajo tecnológico, artísticos y artesanal
Presentación del dossier El impacto de las inteligencias artificiales en el trabajo tecnológico, artísticos y artesanal
Invenciones y disrupciones de la inteligencia artificial en la creación musical
En este trabajo, los autores abordan el impacto de la inteligencia artificial (IA) en la industria musical, examinando sus implicaciones históricas, tecnológicas, éticas y laborales. El problema central es cómo la integración de estas nuevas herramientas, especialmente la Inteligencia Artificial Generativa (IAG), está transformando la creación y producción musical, generando tanto oportunidades como desafíos significativos. El objetivo de la investigación es explorar cómo se está remodelando la industria musical, evaluando los beneficios potenciales como la democratización de la creación musical y las disrupciones, incluyendo la pérdida de empleos y los dilemas éticos relacionados con la originalidad y la autoría. Se podría plantear que, aunque la IA puede democratizar la creación musical y aumentar la eficiencia, también puede llevar a una deshumanización del arte y a una reconfiguración del mercado laboral en la música.
Trabajo artesanal e Inteligencia Artificial: desafíos y ventajas de un encuentro ineludible
El presente trabajo tiene por objetivo traer a discusión los desafíos a los que se enfrenta el proceso de trabajo artesanal en la actualidad, considerando la llegada y el auge de la inteligencia artificial (IA). Aun cuando el proceso de trabajo artesanal fue duramente relegado por la producción industrial, ha lo-grado sobrevivir; no obstante, la IA puede pensarse como el fin del trabajo artesanal si no se discute a tiempo sobre los desafíos que le representa, lo que implica considerar también las ventajas que pueden usarse a su favor. Sobre esta base, primero se analiza el proceso de trabajo artesanal, para después problematizar el encuentro ineludible entre este y la IA, partiendo de las tesis del fin de este tipo de trabajo. Lo anterior propiciará la observación de los posibles caminos que surgen de este encuentro. La claridad sobre este tema permitirá continuar rescatando el valor incalculable que repre-senta el trabajo artesanal.
Austeridad estética: el objeto análogo como mediador al crecimiento de la IA
El objeto análogo actúa como una respuesta deliberada al avance desmedido de la inteligencia artificial, utilizando la simplicidad y la tangibilidad para contrarrestar la saturación tecnológica y reafirmar la importancia de la experiencia sensorial y emocional. Estos elementos destacan el valor de la simplicidad material y lo humano, ofreciendo una alternativa que busca equilibrar el uso de la tecnología con una apreciación por la funcionalidad y el mundo material. El objetivo de este artículo es, generar una reflexión crítica sobre la relación de la IA y la tecnología en la actualidad, y cómo la austeridad estética y los objetos físicos pueden mitigar sus efectos potencialmente alienantes, para promover un estilo de vida consciente frente a lo tecnológico, enfatizando la importancia de la simplicidad y la autenticidad. Se analiza la teoría y la práctica de la austeridad estética en la cinematografía sci-fi y el diseño para comprender cómo estas prácticas responden al avance de la IA. Como resultado, se identifican las tendencias en la integración de la austeridad estética en la producción cultural y cómo estas tendencias responden a la creciente presencia de la IA, concluyendo que la austeridad estética y el uso de objetos análogos no solo sirven como un contrapeso al avance de la IA, sino también ofrecen una oportunidad para analizar el impacto y evolución de la tecnología, proporcionando una vía para explorar la relación entre el progreso digital y las disciplinas como la cinematografía, el diseño y la estética.
El cine, arte, técnica y teoría para la formación crítica universitaria: IAgen
Las vanguardias cinematográficas han sido históricamente importantes para fomentar la creación y la innovación del cine. En la era digital, su estudio adquiere una nueva dimensión de relevancia, ya que el análisis de estas vanguardias proporciona a los estudiantes herramientas para comprender cómo el cine ha evolucionado como medio de expresión artística y de manifestación social. Este conocimiento es esencial para desarrollar un pensamiento crítico robusto, capaz de evaluar no solo el contenido de una película, sino también su forma, su contexto histórico y su relevancia cultural desde y en su entorno inmediato. Con la llegada de los modelos de lenguaje de gran escala (LLM) y de las inteligencias artificiales generativas (IAGen), los estudiantes se enfrentan a un panorama social cada vez más complejo donde las tecnologías están transformando la producción, la distribución y el análisis de películas. Los LLM pueden generar guiones o análisis críticos, mientras que las IAGen pueden crear efectos visuales o incluso secuencias enteras de películas, modificando el concepto cinematográfico. En el presente ensayo se analiza la importancia de las vanguardias cinematográficas en el desarrollo del pensamiento crítico de los estudiantes, especialmente en el contexto actual donde prolifera el modelo de lenguaje de gran escala en su forma de inteligencias artificiales generativas.
Artenomía y el impacto de las inteligencias artificiales en el trabajo artístico y artesanal
Las innovaciones tecnológicas transforman la creación y percepción del arte al modificar la manera en que se crean y perciben las obras de arte, así como cualquier actividad del *homo faber*. Estas innovaciones impactan en la creatividad, evolución e inventiva, y alteran la noción misma del proceso de producción artística. En particular las tecnologías emergentes, como las inteligencias artificiales, están transformando la creación y apreciación del arte, planteando implicaciones para los artistas, artesanos y la sociedad en general. La intersección de la tecnología, el arte y la ética en el ámbito de la inteligencia artificial (IA), posibilita una postura crítica a partir de la reducción de elementos humanos y artísticos a meros objetos o rasgos individuales. La propuesta del concepto de "artenomía" busca establecerse como el dispositivo para mediar entre la singularidad del arte y la creciente dependencia de la IA, sugiriendo que si bien la IA puede democratizar la creación artística, también plantea riesgos como la erosión de habilidades tradicionales y autenticidad. La discusión incluye la noción de "aura" de Walter Benjamin, examinando cómo la IA desafía las distinciones entre lo humano y lo máquina, y las implicaciones para la creación artística y donde se aboga por una implementación ética de la IA en el arte que respete diversas prácticas artísticas y considere implicaciones socioculturales y éticas. Una reflexión crítica sobre cómo equilibrar las oportunidades de la IA con sus riesgos, promoviendo una visión holística del arte que prioriza su significado social y cultural sobre el valor económico.
Artenomía, inteligencia artificial, posthumanismo, ética, arte
Otros futuros. Fronteras de la ciencia ficción latinoamericana
El dossier Otros futuros. Fronteras de la ciencia ficción latinoamericana de la revista HArtes vol. 5, núm. 10 (jul-dic 2024) fue coordinado por el Dr. Samuel Lagunas Cerda para quien, como crítico literario y estudioso de la ciencia ficción, ha sido un placer descubrir que en los textos que componen este dossier, las novelas y los cuentos ocupan un lugar menor. En cambio, el teatro, la novela gráfica, el webcómic y la instalación artística son los protagonistas de las investigaciones que aquí se presentan. Geográficamente, en este dossier se pone especial énfasis en obras ecuatorianas y mexicanas, lo que resulta relevante, puesto que, de la región andina, Ecuador es uno de los países que han sido menos explorados. La pregunta o la búsqueda por saber qué es lo que distingue a la ciencia ficción latinoamericana respecto de la ciencia ficción del Norte global es una recurrencia, casi una obsesión, en la que llevamos enfrascados quienes estudiamos este tema, y, afortunadamente, en estos artículos se plantean nuevos desafíos que complejizan aún más este empeño.
Derechos de autor 2024 HArtes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El arte callejero como dispositivo de cambio social: el caso de la Comuna 13 de Medellín
La Comuna 13 es una de las 16 comunas de Medellín. A causa de una complicada historia de abandono estatal, violencia, y operaciones militares, fue considerada uno de los sectores más peligrosos de la ciudad. En años recientes, ha experimentado una importante transformación convirtiéndose en uno de los sectores más seguros y turísticos de Medellín. Este cambio se debe a la importante escena de arte callejero que se desarrolló en los espacios públicos de la comuna. El objetivo de esta investigación fue comprender el impacto del arte callejero en la transformación de la Comuna y en las experiencias de vida de los habitantes. La investigación se llevó a cabo utilizando el método de la etnografía caminando. El método de caminar con los participantes por un espacio urbano se está volviendo cada vez más común en aquellas investigaciones que buscan comprender las experiencias y los problemas relacionados con un lugar particular. Los beneficios de este método se basan en el hecho de que la inmersión sensorial en un lugar ayuda a los entrevistados a revivir los recuerdos relacionados con ese lugar. A través de los recuerdos, es posible explorar no solo las experiencias personales de los participantes, sino también elementos culturales, políticos, sociales y económicos generales. En el transcurso de las caminatas se logró evidenciar que los participantes consideran el arte callejero como uno de los principales elementos que ha contribuido a la “trasformación” de la comuna. Esto se debe a que han tenido la capacidad de mejorar el aspecto de los espacios públicos y, al mismo tiempo, atraer visitantes que han introducido nuevos flujos de capital en la economía local, mejorando la calidad de vida de la comunidad. Esta investigación demuestra una vez más que el arte callejero puede ser una herramienta poderosa de cambio social para comunidades vulnerables.
Comuna 13; arte callejero; antropología urbana, etnografía caminando