HArtes (ISSN: 2954-470X) es una publicación semestral de acceso abierto editada por la Universidad Autónoma de Querétaro a través de la Facultad de Artes. La revista se centra en la difusión y la producción de conocimiento en el campo de las artes y las humanidades. Sus fascículos se publican de manera electrónica e incluyen artículos académicos, ensayos críticos, traducciones y/o reseñas en formato PDF, así como XML. Se aceptan Envíos de textos escritos en español o inglés, con la exigencia de que sean originales y que respeten las Políticas Editoriales.
De Trio A a Cover futurista. Pensar la danza desde el apropiacionismo
En este texto retomaré la pieza extensamente estudiada de la coreógrafa norteamericana Yvonne Rainer, Trio A (1966), para disertar sobre su contemporaneidad. Después de casi cincuenta años de su creación, ¿de qué manera dialoga su sublevación con obras posteriores?, ¿qué implicaciones tiene en la actualidad?, ¿cómo podría reconfigurarse en otro tiempo y espacio? Considerando que la pieza participó del disenso que dio lugar a todo un movimiento de expansión del terreno artístico e incluso movilizó el propio concepto de danza, Trio A sigue invitando a la reflexión. Ya en el contexto de la danza contemporánea mexicana del siglo XXI, resulta importante reconocer qué debates podría impulsar esta pieza y cómo ha sido pensada y retomada esta pieza en México. Para problematizar estos cuestionamientos, retomaré la estrategia apropiacionista que identifico en la obra de la coreógrafa uruguaya Magdalena Leite, específicamente en cómo opera en Cover (2010), un trabajo que creó en el contexto del campo dancístico mexicano y que da inicio a un diálogo con los presupuestos de Trio A, pero también con las nociones de creatividad, originalidad y autoría.
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El artivismo hacia una inclusión pedagógica pacífica y accesible: arte inclusivo y discapacidad
El presente trabajo analiza el artivismo inclusivo como una práctica crítica que articula arte, pedagogía y acción política en favor de la justicia social, la accesibilidad cultural y la participación de personas con discapacidad en espacios educativos, así como artísticos. A partir de una revisión teórica y un análisis crítico-hermenéutico de literatura interdisciplinaria vinculada con pedagogía crítica, estudios sobre discapacidad, arte inclusivo y educación para la paz, se propone un modelo conceptual compuesto por seis componentes interrelacionados: artivismo inclusivo, pedagogía crítica, arte y activismo, metodologías participativas, cuerpos en resistencia y tecnologías digitales accesibles. El modelo plantea que las prácticas artísticas pueden funcionar como espacios de reflexión crítica, producción cultural y transformación social, cuestionando estructuras capacitistas presentes en contextos tanto educativos como culturales. Asimismo, se analiza el papel de las tecnologías digitales, al igual que el de las metodologías colaborativas en la ampliación de formas de accesibilidad, representación y participación cultural. Desde esta perspectiva, el artivismo inclusivo no se limita a adaptar el arte a las personas con discapacidad, sino que propone repensar las condiciones sociales, pedagógicas y culturales que históricamente han restringido su participación. Se concluye que el modelo contribuye a fortalecer enfoques pedagógicos y artísticos orientados a la democratización cultural, la diversidad funcional y la construcción de espacios educativos más accesibles, participativos y socialmente inclusivos.
El continuo lesbiano en Cartucho de Nellie Campobello: vínculos femeninos en la narrativa subalterna mexicana
Cartucho es una obra literaria escrita por Nellie Campobello. Fue publicada en 1931 y está conformada por relatos breves que abrazan las experiencias de la autora en los ecos de la Revolución mexicana. Como narrativa subalterna, es decir, historias escritas desde la perspectiva de grupos socialmente marginados, la obra se ha transformado en testigo, memoria y archivo. En sus relatos se vislumbra la violencia ejercida por la masculinidad hegemónica en el contexto de la guerra, lo que contrasta con la sensibilidad de la mirada de la infancia, así como de la voz y la presencia femenina en cada uno de los textos. A través de sus personajes femeninos se presentan relaciones afectivas, sociales y políticas que construyen fuertes lazos de comunidad, además de una resistencia vital. En este sentido, el concepto continuo lesbiano acuñado por Adrienne Rich (1986) en su ensayo Heterosexualidad obligatoria y existencia lesbiana, aborda las prácticas entre mujeres en un espectro en el que habitan la amistad, la afinidad espiritual e intelectual, la atracción sexual, entre otras prácticas. El presente ensayo crítico elabora un análisis del trabajo de Nellie Campobello a partir del continuo lesbiano, aplicando este concepto a las relaciones de los personajes femeninos presentes en Cartucho, así como la importancia que tiene en nuestros días la lectura de esta obra desde el enfoque feminista.
¿Quién devora a quién? Antropofagia cultural, asimetrías coloniales y arte latinoamericano
Este ensayo crítico revisa el alcance histórico del Manifiesto antropófago (1928) de Oswald de Andrade en la configuración de una modernidad cultural latinoamericana no subordinada. Igualmente, argumenta su vigencia en debates contemporáneos sobre ciudad global, gentrificación y giro decolonial. De manera que se propone leer la antropofagia menos como celebración genérica de la mezcla y más como un método situado de incorporación crítica, es decir, una forma de disputar jerarquías de valor cuando la cultura se produce bajo asimetrías coloniales persistentes. A partir de nociones de colonialidad del poder (Quijano, 2000), modernidad/colonialidad (Mignolo, 2011) e hibridación (García Canclini, 1990), el texto sostiene que la antropofagia es productiva si se vuelve autocrítica. En otras palabras, debe distinguir entre traducciones que reordenan jerarquías y traducciones que reciclan la diferencia como estilo o mercancía. En el plano de las prácticas se discuten ejemplos del siglo XX y XXI, tales como Tropicália de Hélio Oiticica, la 24ª Bienal de São Paulo, el proyecto Pixo de Andrea Bandoni y, como contrapunto, Adriana Varejão. Se pone énfasis en cómo la escritura urbana estigmatizada puede volverse objeto doméstico y, con ello, evidenciar tensiones entre visibilización y captura institucional. El ensayo concluye que la antropofagia sigue siendo una herramienta contra los purismos raciales, culturales y disciplinarios, pero su potencia depende de reconocer las mediaciones institucionales, así como las economías de visibilidad que determinan, en última instancia, quién devora a quién.
Estilos de crianza vinculados a la corporalidad: violencia, memoria, embodiment y performatividad en familias mazahuas
Este artículo analiza cómo los estilos de crianza en familias mazahuas de San Felipe del Progreso, municipio ubicado al norte del Estado de México, generan y mantienen prácticas violentas. Dichas prácticas se inscriben en el cuerpo de infantes y adultos, permaneciendo como memoria y performatividad a lo largo de sus vidas. Mediante una metodología basada en genealogías, observación e historias de vida, se documenta la transmisión generacional de modelos parentales autoritarios, negligentes, democráticos y permisivos, con énfasis en sus impactos emocionales, físicos y simbólicos. Además, se explora cómo el cuerpo se vuelve receptáculo y archivo vivo de la violencia (Gómez Sánchez y Bruno Rosas, 2025) y cómo la memoria permite evocar o reconstruir experiencias (Pérez-Taylor, 2012) de crianza desde una perspectiva de género, así como desde la vinculación o relación con la cultura mazahua. Por otro lado, este trabajo se apoya en el embodiment o la cognición corporizada, dado que tanto la memoria como el cuerpo se entienden como territorio de inscripción de la violencia. De este modo, la crianza se vuelve un campo performativo donde se reproducen, pero también se resisten, formas estructurales de dominación.
La producción de Fernando Flores y el lenguaje de la luz: una contribución reflexiva para la historiografía de las artes escénicas de Querétaro
El presente artículo tiene por objetivo identificar el lugar que ocupa el escenógrafo e iluminador Fernando Flores en la historia de las artes escénicas de Querétaro. Esto se debe a que las reseñas históricas sobre esta disciplina se interesan principalmente por compañías tradicionales, directores de escena, coreógrafos, actores y bailarines, empleando un discurso que omite el trabajo de los creadores especializados en las áreas escenotécnicas. Dichas reconstrucciones se interpretan como síntomas de la forma en la que se asumía, y se continúa asumiendo, la práctica escénica en la localidad, donde los cuadros creativos pasan a un segundo plano de importancia o se vuelven prescindibles en los montajes. Esta situación nos hace cuestionar el carácter profesional de las producciones. Se propone que la conformación de cuadros creativos especializados es indisociable de una práctica profesional. Esto se verifica a través de la trayectoria de Flores, que se caracterizó por su compromiso, rigor y excelencia, pues cada una de las compañías con las que colaboró elevaron, de forma notoria, la calidad de sus montajes. El perfil de Flores se inscribe en la visión escenotécnica del teatro moderno y la danza contemporánea, pero eso no le impidió investigar sobre la naturaleza del espacio-luz —su elemento artístico— para emprender diálogos en los niveles técnico, estético y poético. Al estudiar y experimentar sobre los efectos sensoriales, físicos y emotivos del fenómeno lumínico-espacial, este escenógrafo abrió líneas de investigación-creación orientadas hacia tratamientos que trascienden la oposición entre ciencia y arte. Al final, lo que consumó Flores fue un lenguaje propio y una metodología para expresarse desde su elemento mediante la puesta en escena.
Tecnología, arte, paz y pedagogía. Convergencias en la construcción de comunidades resilientes
La violencia adopta múltiples clasificaciones y perspectivas derivadas de los diversos tipos de violencias que, al interactuar entre sí dentro de las comunidades, dificultan la construcción de entornos pacíficos. Para su intervención, se han desarrollado pedagogías situadas que atienden la violencia como una problemática multidimensional, es decir, que no se circunscribe a fronteras, estratos sociales o ciclos vitales, sino que es caracterizada por un impacto transversal. En este contexto, este estudio se propuso analizar experiencias que integran el arte, la tecnología y la pedagogía para desarmar las distintas violencias. Para lograr el objetivo, se realizó un análisis cualitativo de enfoque comparativo y narrativo de múltiples casos, centrado en prácticas transformadoras que integran el arte, la tecnología y la pedagogía para desarmar las violencias. Como técnica de recolección, se empleó la revisión documental de informes, plataformas y materiales formativos. La muestra analizada (n=6) se conformó mediante un muestreo intencional y no probabilístico. Los resultados mostraron una concentración de experiencias en España, con la participación de la Unión Europea como principal financiadora, así como una ejecución concentrada en las ONG. En general, la muestra estudiada posee una dimensión artivista centrada mayoritariamente en la narrativa, la alfabetización digital y la instrumentalización de las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC), focalizadas en la atención de población joven, derivando como resultado en material de visibilización de los alcances prioritarios del proyecto. En conclusión, las TIC poseen dinámicas que pueden interferir en los procesos de atención y generación de las violencias. La intervención debe corresponder al conocimiento situado, reconociendo los factores locales, experiencias vivenciales y narrativas subalternas y divergentes de la propia narrativa que se desea establecer. La paz implica el reconocimiento de la diferencia y su valor como elemento constitutivo de la realidad.
Tecnologías de la Información y de la Comunicación (TIC)
Reflexiones autoetnográficas sobre bordado, el dolor y las posibilidades de la sanación colectiva
Este artículo explora el bordado como práctica epistémica, pedagógica, artística y sanadora desde una perspectiva feminista situada en América Latina. A partir de un enfoque autoetnográfico, se aborda el proyecto Bordar para sanar, el cual nace en 2019, para pensar al bordado como una herramienta creativa y política para reflexionar sobre el dolor, la depresión crónica; y al mismo tiempo, como una vía para reflexionar las posibilidades del cuidado colectivo y la sanación. Asimismo, se expone el ejercicio pedagógico feminista Las telarañas que nos sostienen, desarrollado en talleres en México y Centroamérica, el cual permite mapear redes tanto de cuidado como de sostén en contextos de vulnerabilidad. A través de una genealogía de experiencias textiles —que abarca desde los quilts afrodescendientes, pasando por las arpilleras chilenas, hasta llegar a los pañuelos de las Madres de Plaza de Mayo— se analiza cómo el bordado ha funcionado como lenguaje y soporte, al igual que como vehículo de memoria, resistencia y denuncia frente a la violencia colonial, patriarcal y estatal. El presente artículo sostiene que el bordado no solo sana en lo individual, sino que también constituye una metodología feminista, así como una práctica artística capaz de producir conocimiento, generando vínculos afectivos, a la vez que habilita procesos de resistencia y transgresión.
Tejer la memoria, bordar la diferencia: artivismo textil y agencia política de personas con discapacidad
Este artículo se inscribe en el marco de las estéticas del duelo y la memoria, explorando cómo la práctica artivista, en este caso el bordado colectivo, puede contribuir a procesos de elaboración simbólica del dolor, resistencia y justicia desde las comunidades históricamente excluidas. Se articulan dos líneas complementarias: por un lado, el análisis del bordado como práctica artivista; por otro, su potencia como espacio epistemológico situado. La problemática central radica en la exclusión histórica de las personas con discapacidad de los marcos oficiales de memoria y producción de conocimiento en Chile, así como la persistencia de lógicas capacitistas en la esfera tanto pública como cultural. El objetivo fue comprender cómo el artivismo textil se configura como una práctica crítica que entrelaza creación, memoria y agencia política, habilitando formas encarnadas de denuncia y resistencia. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo, etnográfico y colaborativo, centrado en el trabajo junto con el Colectivo Nacional por la Discapacidad (CONADIS) y las Bordadoras de la Villa Frei, a través de sesiones de creación, intervenciones públicas y análisis fotoetnográfico. Esta metodología enfatiza el hacer como forma de saber, integrando técnicas visuales, afectivas y narrativas. Los resultados muestran que el bordado colectivo opera como una forma de duelo activo y performativo, donde el textil se convierte en archivo afectivo, así como en lenguaje visual de denuncia. Estas prácticas permiten visibilizar memorias silenciadas, especialmente en contextos marcados por la represión, la violencia estructural y la negación del derecho a la memoria. En la discusión, se plantea que el bordado colectivo no solo es arte o activismo, sino que se trata de una práctica situada de reparación simbólica y de lucha por justicia epistémica, misma que desafía las narrativas hegemónicas desde los márgenes de la ciudadanía cultural.
La inteligencia artificial generativa y su desarrollo como herramienta en el arte de la época
En la actualidad, uno de los principales conflictos dentro de la filosofía del arte radica en la apertura que ha adoptado el arte contemporáneo. Esta libertad propositiva —más que meramente creativa— ha ampliado los estándares artísticos, al punto de establecer la posibilidad de que cualquier cosa pueda ser considerada una obra de arte. Sin embargo, es importante reconocer que el arte moderno continúa vigente. Aún se crean obras que siguen estructuras plásticas tradicionales, con técnicas definidas y connotaciones subjetivas, estéticas y sensoriales. En medio de este panorama híbrido, la inteligencia artificial ha comenzado a jugar un papel relevante. Ante la ausencia de un sistema crítico unificado en el campo del arte, algunos mecenas y galeristas han aprovechado esta ambigüedad para generar nombres, firmas y precios en torno a obras de dudosa autoría o manufactura. Este fenómeno representa solo una de las múltiples formas en que se está incorporando la inteligencia artificial al ámbito artístico. Así, su irrupción se ha convertido en uno de los temas más debatidos por la teoría y la filosofía del arte contemporáneo. A partir de esta problemática, el presente trabajo se estructura en dos vertientes. La primera consiste en un estudio comparativo entre obras generadas mediante nuevas tecnologías y otras producidas antes de esta década que han destacado por su manufactura, su propuesta conceptual o su controversia. La segunda vertiente se centra en el análisis del uso de herramientas artísticas y sus implicaciones éticas. Se examinan tanto los atajos adoptados por algunos artistas —como el empleo de talleres y mano de obra externa— así como el uso actual de aplicaciones informáticas. Con base en ambos estudios, se elabora un diagnóstico crítico sobre el denominado aporte de innovación artística sustentado en las nuevas tecnologías digitales y robóticas.
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Bordado y experiencia menstrual: metodología participativa en jóvenes universitarias desde la Interculturalidad
El presente artículo expone los resultados preliminares de una investigación doctoral en Estudios Críticos de Género sobre la experiencia menstrual de mujeres jóvenes de San Felipe del Progreso, Estado de México. Se destaca la menstruación como un fenómeno biológico, cultural y político. Se adoptó una metodología participativa centrada en un taller de bordado denominado Tejiendo ciclos, dirigido a mujeres estudiantes universitarias como estrategia de investigación sensible y horizontal. El bordado se empleó como práctica feminista de resistencia, así como herramienta pedagógica que propicia la reflexión colectiva desde la cuerpa y la afectividad. El taller permitió recuperar testimonios sobre las primeras experiencias menstruales, los mitos culturales, las estrategias de autocuidado y la percepción de la menstruación digna. Las participantes compartieron vivencias marcadas por el estigma, la desinformación y la violencia simbólica, así como prácticas de acompañamiento intergeneracional, educación afectiva y resignificación de la cuerpa. El bordado funcionó como medio para articular saberes personales, generar redes de apoyo y disputar sentidos hegemónicos en torno a la menstruación. Los resultados permiten concluir que las metodologías participativas como el bordado abren espacias para la agencia, el empoderamiento y la producción de conocimiento situado. Con ello se propicia una pedagogía del cuidado que posibilita la vivencia menstrual en una experiencia colectiva, política, liberadora, gozosa y alegre.
La estatua imposible: una obra realizada con la asistencia de inteligencia artificial
La estatua imposible es una obra desarrollada con ayuda de inteligencia artificial. Su elaboración ha supuesto una reconfiguración respecto al concepto de arte. En este contexto, las implicaciones de la creación artística basadas en el desarrollo tecnológico conllevan necesariamente al análisis sobre la autenticidad, la autoría y el valor estético de los objetos artístico generados con la ayuda de la IA. En este trabajo se exponen tanto el contexto y el procedimiento general de elaboración de La estatua imposible, así como los cuestionamientos a desarrollar respecto a la producción artística de los próximos años.
Escritura automática: del espiritismo a la inteligencia artificial
La escritura automática, ese fenómeno en el que las palabras fluyen sin la mediación consciente del autor, ha fascinado a escritores, artistas y científicos desde sus orígenes. Sin embargo, más allá de esta fascinación, el fenómeno plantea preguntas profundas sobre la naturaleza de la creatividad, los derechos de autor y la relación entre lo humano y lo tecnológico. Desde sus raíces en el espiritismo hasta su adopción por los surrealistas, su evolución en las vanguardias del siglo XX y su transformación hasta la Inteligencia Artificial generativa, la escritura automática ha sido un puente entre lo humano y lo sobrenatural, el inconsciente, la aleatoriedad o las ciencias de la computación. Este ensayo explora cómo la escritura automática ha desafiado las nociones tradicionales de creatividad y autoría, analizando sus manifestaciones en distintos contextos históricos y culturales, y reflexionando sobre sus implicaciones en la era de la Inteligencia Artificial (IA).
Danza en colaboración cinemática con un bailarín de IA: Dancing Embryo
Este artículo explora la intersección entre la danza, la experiencia humana y la inteligencia artificial (IA), centrándose en cómo la IA puede participar en la cocreación cinemática de danza junto a intérpretes humanos. El estudio desafía las nociones tradicionales de la danza, que suelen centrarse en la fisicalidad y la expresividad humana, demostrando cómo los movimientos generados por IA pueden evocar experiencias de danza significativas. El proyecto, Dancing Embryo, es una colaboración entre un bailarín-coreógrafo y un científico computacional para crear una IA interactiva capaz de generar y transformar movimientos dancísticos. La IA, diseñada a partir de datos de movimiento de bailarines de danza contemporánea, participa en actuaciones en tiempo real acoplando características de sus movimientos con los de un bailarín humano. Este trabajo amplía la definición de danza para incluir agentes no humanos y hace hincapié en las posibilidades de cocreación entre humanos y máquinas. El artículo analiza las implicaciones tecnológicas, ontológicas y artísticas de la danza con IA, exponiendo que la experiencia de la danza puede percibirse y completarse mediante la interpretación humana, incluso cuando la ejecuta una máquina.
Rematerialización de las imágenes digitales
El objetivo principal de este texto es elaborar una disertación teórica, estética, acerca las imágenes digitales y un análisis de algunas propuestas de creación de arte digital. Se empleará el concepto en plural: imágenes, en lugar de su unidad abstracta: la imagen, aquí se encuentra ya contenida una idea central que da sentido a esta investigación: reconocer la condición de visibilidad que hace posible la materialización de las imágenes. El segundo punto que será analizado es la distinción entre imágenes e imágenes digitales, ¿es lo mismo una imagen compuesta con pinceles y óleos o una creada de forma generativa, algorítmicamente, hecha de pixeles? ¿por qué es necesario diferenciarlas? Desde estas preguntas, se elaborarán algunos postulados teóricos y metodológicos para el estudio de las imágenes artísticas en el contexto de la creación y contemplación de arte bajo los parámetros de los cánones modernos, en contraposición con el arte generativo o digital.
Diseño de la experiencia de usuario del Repositorio de Objetos de Aprendizaje ROA-UAQ
El avance continuo de la tecnología ha transformado la manera cómo se comparte y consume conocimiento. En el ámbito educativo, las herramientas digitales se han desarrollado de manera acelerada, así se tienen sitios web educativos dinámicos, con interfaces sofisticadas, y funcionalidades para realizar tareas complejas, como los repositorios educativos. Es aquí en donde el diseño interviene, pues para diseñar estos espacios digitales es necesario estudiar cómo los usuarios interactúan con dichas interfaces, para generar experiencias óptimas. Así, el presente trabajo propone el diseño de la experiencia de usuario del Repositorio de Objetos de Aprendizaje de la Facultad de Artes (ROA-UAQ). Para esto, se implementaron las fases de análisis, diseño conceptual, diseño de prototipos y evaluación. En el análisis se ejecutaron técnicas de recolección de datos como la entrevista y encuesta para construir proto personas, y un análisis de la competencia. En el diseño conceptual se diseñaron las Personas y escenarios, y pruebas de jerarquización de contenidos como el card sorting. En el diseño de prototipos se evaluaron con expertos propuestas de prototipos de baja calidad y recorridos cognitivos de usuarios, para así diseñar prototipos de alta calidad en Figma con base en el diseño atómico y principios de usabilidad. Finalmente, el diseño se evaluó con pruebas heurísticas y pruebas en voz alta con usuarios. Para concluir, esta investigación ofrece evidencia de cómo el diseño interviene a través de un proceso sistemático en proyectos educativos, para ir desde la identificación de necesidades de usuarios hasta el diseño de interfaces usables, con el propósito de ofrecer experiencias óptimas.
Publicidad generada con IA: oportunidades para representar la diversidad étnica en Perú
La inteligencia artificial ha transformado la creación de narrativas visuales en la publicidad, abriendo nuevas posibilidades para representar, de manera correcta, la diversidad étnica de América Latina. Este artículo tiene como objetivo examinar, mediante la metodología del análisis de contenido, la forma de representar la diversidad étnica de Perú en el spot publicitario “La ConvocatorI.A”, realizada por el Banco de Crédito del Perú. Los resultados muestran que la identidad mestiza es la más representada (66,7 %), seguida por las identidades blanca y afrodescendiente (16,7 %), lo que refleja un desequilibrio en la representación de la diversidad étnica en un país considerado uno de los más pluriculturales de la región. Este hallazgo subraya la necesidad de supervisión humana en el uso de IA para garantizar que las representaciones sean auténticas y reflejen la verdadera diversidad de las audiencias. Aunque la IA ofrece ventajas en accesibilidad y personalización, también presenta desafíos éticos, especialmente al reforzar estereotipos como la representación de características físicas predominantes en los latinos: el cabello lacio y los ojos oscuros. El spot “La ConvocatorI.A” demuestra cómo la IA puede mejorar las representaciones visuales, pero también resalta la necesidad de un enfoque más ético e inclusivo para reflejar la complejidad y riqueza de las identidades étnicas tanto en Perú como en América Latina.
Trabajo artesanal e Inteligencia Artificial: desafíos y ventajas de un encuentro ineludible
El presente trabajo tiene por objetivo traer a discusión los desafíos a los que se enfrenta el proceso de trabajo artesanal en la actualidad, considerando la llegada y el auge de la inteligencia artificial (IA). Aun cuando el proceso de trabajo artesanal fue duramente relegado por la producción industrial, ha lo-grado sobrevivir; no obstante, la IA puede pensarse como el fin del trabajo artesanal si no se discute a tiempo sobre los desafíos que le representa, lo que implica considerar también las ventajas que pueden usarse a su favor. Sobre esta base, primero se analiza el proceso de trabajo artesanal, para después problematizar el encuentro ineludible entre este y la IA, partiendo de las tesis del fin de este tipo de trabajo. Lo anterior propiciará la observación de los posibles caminos que surgen de este encuentro. La claridad sobre este tema permitirá continuar rescatando el valor incalculable que repre-senta el trabajo artesanal.
Los hilos de Ariadna: el cabello en Las mujeres flores de Eunice Adorno
En la serie Las mujeres flores de Eunice Adorno se puede apreciar la manera en la que el papel de la diferenciación sexual juega en las representaciones del cuerpo femenino, y de manera especial, del cabello de los cuerpos femeninos, un rasgo distintivo que funciona como señal identitaria. Dentro de las imágenes podemos rastrear vestigios de una erótica de la amistad entre mujeres, que se aleja del sentido coloquial de la palabra. Esta erótica de la amistad es caracterizada desde la anarquía relacional.
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Arte post-mexicano. Arte más allá del sentir mexicano: la aprehensión del discurso al margen de las territorialidades simbólicas
El arte mexicano siempre ha sido difícil de conceptualizar. Desde nociones que engloban la determinación substancial nacionalista, hasta discursos que se alienan completamente de la aprehensión de lo cultural y social del país, el arte mexicano navega en un terreno vaporoso que es mutable en sí mismo, y que, por ende, es intangible al tacto. Su conformación gaseosa ha dependido de las diferentes miradas (muchas de estas siendo extranjeras), que lo han estructurado y modelado a través de envases específicos. Estas modulaciones han propiciado el nombramiento del arte mexicano a través de estructuras compactas que mientras permiten una visualización “pertinente”, encierran y controlan la posibilidad de expansión del mismo. El acto de nombrar es una instancia de poder, y en este sentido, el arte mexicano, no se ha podido nombrar a sí mismo, este más bien, siempre ha sido nombrado. Es por ello que el arte post-mexicano se presenta como una posibilidad de subversión a través de la aprehensión del simbolismo que conforma a la mexicanidad, y la transgresión de dichos elementos en la reconceptualización de un imaginario nuevo, que posibilite una conscientización del ser mexicano en tiempos postmodernos. El arte post-mexicano engloba la noción del decolonialismo, a través de una transculturación simbólica por medio de la reaprehensión de los arquetipos que conformaron (y siguen conformando) la cárcel identitaria de lo mexicano, con la posibilidad de hacer una relectura no solo del lenguaje artístico, sino de la misma conformación y conceptualización del ser nacional.
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Presentación del dossier "Artivismos y pedagogías populares para desarmar las violencias"
¿Por qué leer a Kazantzakis en el siglo XXI?
Mariposas al vuelo: investigación artística y resonancia afectiva frente a las violencias feminicidas
Nosotras Sobrevivientes: sostener la vida juntas es una exposición que recoge un proceso de investigación-acción participativa que derivó en una investigación artística. Este tipo de estudio se realizó junto con niñas y adolescentes atravesadas por un continuum de violencias feminicidas que, a su vez, vivieron temporalmente en un anexo en Tlajomulco de Zúñiga, Jalisco. Asimismo, en el presente artículo se entiende la investigación artística como una práctica de conocimiento situado, donde la creación colectiva deviene como forma de indagación y vínculo. La muestra incorporó dispositivos de resonancia, tales como el libro de visitas con preguntas abiertas y mariposas de papel donde las personas visitantes escribieron mensajes a las creadoras. Estos dispositivos operaron como archivo vivo, es decir, no como un repositorio, sino como un tejido en movimiento de sensibilidades y respuestas éticas. A la luz de las ideas de Rita Segato, Audre Lorde, Sara Ahmed y Pablo Martínez-Zárate, este texto sitúa los lenguajes agramaticales, la pedagogía excéntrica y las prácticas artísticas como modos para interrumpir la habituación a la violencia sin fetichizar el dolor. El foco no está en “empoderamientos” ni en clausuras reparadoras, sino en lo que se hace posible cuando la investigación se entrelaza con la creación colectiva como umbral para pensar, sentir y hacer en común. Más que ofrecer soluciones, la experiencia abre grietas para experimentar prácticas investigativas, así como pedagógicas, que antepongan la imaginación, la ternura y el cuidado en contextos de violencia estructural.
Scroll, click y resistencia: artivismo digital y pedagogía afectiva en la era de los memes
Este ensayo crítico examina el potencial del artivismo digital como herramienta pedagógica en la enseñanza del diseño y la comunicación visual, a través del análisis de seis cuentas de redes sociales que entrelazan narrativas visuales, activismo y estrategias de alfabetización mediática. La investigación se enmarca dentro de los paradigmas de la pedagogía crítica y afectiva (Freire, 1970/2014; Giroux, 1992; hooks, 2021) y se enriquece con aportaciones recientes sobre activismo digital y alfabetización visual crítica (Blaagaard y Roslyng, 2022; Hellman y Häikiö, 2024). Se fundamenta además en la noción de aula expandida (Scolari, 2015 y 2021), entendida como la integración de entornos digitales con prácticas de aprendizaje tanto formales como informales. La selección de casos se basó en su intencionalidad educativa o política, así como en la diversidad de formatos y su potencial para fomentar la reflexión crítica. El análisis se estructura en torno a tres modalidades de interacción con la enseñanza: seguimiento autónomo, integración deliberada y aprendizaje incidental; las cuales se correlacionan con tres niveles pedagógicos: formación visual extramuros, análisis crítico en el aula y utilización como recurso didáctico. El texto sostiene la imperiosa necesidad de un rol docente mediador, que sea capaz de contextualizar y resignificar estas prácticas con el fin de fortalecer la alfabetización visual, así como el pensamiento crítico, en el marco de los lenguajes culturales contemporáneos.
Humanizar los sistemas biométricos: un acto de tolerancia ante lo diferente, lo opuesto, lo singular y lo desconocido
Actualmente, los sistemas biométricos son utilizados por los servicios de inteligencia y seguridad para detectar delincuentes. En la obra Nivel de Confianza (2015) de Rafael Lozano-Hemmer se utilizó un sistema similar para que el público se pudiera reconocer en alguno de los 43 estudiantes desaparecidos de Ayotzinapa. La apariencia de los estudiantes, quienes en su mayoría tenían rasgos indígenas, lleva a pensar si su desaparición tiene que ver con la idea racista y clasista de eliminar de la tierra todo aquello que sea diferente, opuesto o singular. En el año 2018, Nivel de Confianza se presentó en el XII Simposio de Artes Visuales del Instituto de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, lo que dio pie a que la comunidad comentara y reflexionara sobre ese crimen de lesa humanidad y el papel del Estado mexicano.
El tejido como práctica feminista y comunitaria, una experiencia colectiva. Tejidos y tramas en Quito, Ecuador
Sobrevivir al feminicidio de una hija, madre o hermana. Experiencias de arteterapia en Yucatán, México
En este texto nos proponemos llamar la atención sobre la necesidad de reflexionar y actuar respecto a la gestión y al acompañamiento emotivo de las víctimas indirectas de feminicidio. Presentamos una experiencia de trabajo con cinco familias que han padecido el feminicidio de alguna de sus mujeres o niñas en el estado de Yucatán, que buscó construir un espacio de introspección y expresión emotiva en el que las familias pudieran conectar con los sentimientos que emergían frente a la pregunta: ¿Qué habita en tu corazón cuando piensas en tu hija, madre o hermana? Damos cuenta de cómo a través de una sesión de arteterapia -una herramienta para trabajar la salud mental, conjugada con la pedagogía de la ternura y la vulnerabilidad- este espacio de introyección, creación, y expresión emocional abrió la posibilidad de que las familias revictimizadas conectaran con sus emociones, las reconocieran y las trasmitieran -a través del papel, los colores y la tinta- a la sociedad que las ha ignorado o las mira con indiferencia.
Virtualidad, experiencia inmersiva e IA: nuevos espacios y narrativas para las prácticas artísticas
Presentación del dossier Virtualidad, experiencia inmersiva e IA: nuevos espacios y narrativas para las prácticas artísticas
Libros clásicos brasileños traducidos a imágenes mediante inteligencia artificial generativa
Este artículo describe la aplicación de herramientas de Inteligencia Artificial Generativa (IA-G) de código abierto para apoyar el proceso ilustrativo de libros de literatura clásica brasileña. El artículo relata una experiencia sobre el uso de un modelo de última generación y la pregunta central abordada es la viabilidad de dichas herramientas, así como evaluar los comportamientos positivos y negativos observados en el modelo. El estudio implementó los modelos "Stable Diffusion XL 1.0" y "Stable Diffusion XL 1.0". El proceso metodológico utilizado en esta investigación resalta los elementos formales de composición, color y textura, junto con consideraciones éticas, con la finalidad de evaluar la efectividad y sesgos de las ilustraciones generadas por la IA-G. Los resultados demostraron su potencial y resaltan los desafíos del uso de IA-G como una herramienta de apoyo a la ilustración de libros, aportando de esta forma, información valiosa sobre la intersección entre la literatura y la inteligencia artificial.